Martina Steckholzer
17 Sep - 12 Nov 2008
MARTINA STECKHOLZER
Die heutige Kunst ist das Thema von Martina Steckholzers konzeptueller Malerei. Was derzeit international ausgestellt wird, übersetzt sie in inhaltlicher und formaler Aneignung in reduzierte und brüchige malerische Gesten und Oberflächen. Durch Steckholzers Malerei blickt man indirekt auf das, was derzeit aus den Archiven und Studios geholt wird, um auf Messen und in Museen ausgestellt zu werden. Zum anderen setzt man sich Steckholzers subjektiver Lesart aus, welche die dokumentierten Motive in einer oft brachialen Auslotung der malerischen Geste adaptiert. Die gebrochenen Strukturen, die einem in ihren Arbeiten immer wieder begegnen, suggerieren nicht allein den flüchtigen Moment einer bewegten Aufnahme. Vielmehr wird in Steckholzers Malerei eine Wahrnehmung angesprochen, die sowohl aus fiktiven als auch dokumentierten Erinnerungsfragmenten zu bestehen scheint. Da die Motive in Detailansicht oder Perspektive nahezu unmöglich zu erkennen sind, bleibt nur ein vages Gefühl dafür, dass man diese Farbigkeit oder diese Silhouette als Zitat auf den Kunstkontext zu verorten weiß. Das Oszillieren zwischen Ahnung und Ahnungslosigkeit beschränkt sich nicht auf den einzelnen Bildraum, sondern weitet sich innerhalb der Serien aus. Im Multiplen eröffnet sich dem Betrachter ein scheinbar referenzloser, lückenhaft fragmentarischer Raum, in dem man erneut mit der Durchsetzungskraft dieser Malerei konfrontiert wird.
"Meine Bilder sind keine Fenster", sagt Steckholzer über ihre Arbeiten. Folgt man dieser Anweisung ihre Bilder zu lesen, so hört man bald auf nach den Motiven zu suchen, die sich hinter der aneignenden Geste verstecken, die ihr Konzept kennzeichnet. Eher wird man diese Geste als einen informierenden Einfluss verstehen. Von dort machen sich Steckholzers Arbeiten, in einer radikal anmutenden Ausbeutung der malerischen Geste dazu auf, künstlerische Praxis heute neu zu denken. (Veronika Hauer, 2008)
I KNOW THAT YOU KNOW THAT I KNOW
If you could never see these paintings, how would I retell them to you? Perhaps by not offering you another image, but a feeling for the sense of it instead.
Imagine traversing a corridor, by commuting from one side to the other: to your left Berlin – to your right the long black and brown feathers of a bird – to your left a red, yellow, and blue square – to your right a chandelier – to your left a merry–go–round. You stop and turn. Walk back and look again. Some themes recur, while you walk through the hall, as if the merry–go–round would move around the viewer, while she tries to stabilize her position in the exhibition space. There appears the impression that one has seen this colour, outline, shape, structure before. Imagine the sense of dèjá vu triggered by a familiar motif.
Steckholzer’s conceptual paintings transfer what is momentarily internationally displayed in form and content into fractured painterly gestures and surfaces. To look at her paintings means on the one hand to look at what is currently fetched from archives and studios to be shown at museums, galleries and fairs. On the other, it means that one is exposed to her subjective perception, which adapts the documented motives in an often brute exploration of painterly gesture.
So, although a dèjá vu effect might creep up in the viewer, there equally discloses an unmistakable void in the encounter with her paintings. No matter how fully painted a surface appears, or how fully painted it is discover after zooming into its detailed structure: there is some frictional resistance in Steckholzer’s way of painting, deriving from a dual approach. While her painting is on the one hand carefully planned it on the other suggests to have been left behind half open. This friction recurs not only in the single image space, but also in the serial. A seesaw opens up in a territory for perception that could verbally be expressed by one of the image titles: I know that you know that I know. While an acknowledgment of acknowledgment takes place between the two participants, it remains unclear what is actually known by the speaker.
Steckholzer argues herself that her paintings are not windows, functioning as facilitators, to look at something. As she approaches her motifs in a both documental and fictional mode of memorising, she renders them in perspective and detailed view almost unrecognisable. Consequently representation fails (as if it was meant to make smoothly legible the one represented).
This is primarily, because she is not so much interested to represent the motifs appropriated in a new setting, but to use them and the display situation, in which the encounter with the object originally took place, as an informing impact to explore a new potentiality of conceptual painting.
Die heutige Kunst ist das Thema von Martina Steckholzers konzeptueller Malerei. Was derzeit international ausgestellt wird, übersetzt sie in inhaltlicher und formaler Aneignung in reduzierte und brüchige malerische Gesten und Oberflächen. Durch Steckholzers Malerei blickt man indirekt auf das, was derzeit aus den Archiven und Studios geholt wird, um auf Messen und in Museen ausgestellt zu werden. Zum anderen setzt man sich Steckholzers subjektiver Lesart aus, welche die dokumentierten Motive in einer oft brachialen Auslotung der malerischen Geste adaptiert. Die gebrochenen Strukturen, die einem in ihren Arbeiten immer wieder begegnen, suggerieren nicht allein den flüchtigen Moment einer bewegten Aufnahme. Vielmehr wird in Steckholzers Malerei eine Wahrnehmung angesprochen, die sowohl aus fiktiven als auch dokumentierten Erinnerungsfragmenten zu bestehen scheint. Da die Motive in Detailansicht oder Perspektive nahezu unmöglich zu erkennen sind, bleibt nur ein vages Gefühl dafür, dass man diese Farbigkeit oder diese Silhouette als Zitat auf den Kunstkontext zu verorten weiß. Das Oszillieren zwischen Ahnung und Ahnungslosigkeit beschränkt sich nicht auf den einzelnen Bildraum, sondern weitet sich innerhalb der Serien aus. Im Multiplen eröffnet sich dem Betrachter ein scheinbar referenzloser, lückenhaft fragmentarischer Raum, in dem man erneut mit der Durchsetzungskraft dieser Malerei konfrontiert wird.
"Meine Bilder sind keine Fenster", sagt Steckholzer über ihre Arbeiten. Folgt man dieser Anweisung ihre Bilder zu lesen, so hört man bald auf nach den Motiven zu suchen, die sich hinter der aneignenden Geste verstecken, die ihr Konzept kennzeichnet. Eher wird man diese Geste als einen informierenden Einfluss verstehen. Von dort machen sich Steckholzers Arbeiten, in einer radikal anmutenden Ausbeutung der malerischen Geste dazu auf, künstlerische Praxis heute neu zu denken. (Veronika Hauer, 2008)
I KNOW THAT YOU KNOW THAT I KNOW
If you could never see these paintings, how would I retell them to you? Perhaps by not offering you another image, but a feeling for the sense of it instead.
Imagine traversing a corridor, by commuting from one side to the other: to your left Berlin – to your right the long black and brown feathers of a bird – to your left a red, yellow, and blue square – to your right a chandelier – to your left a merry–go–round. You stop and turn. Walk back and look again. Some themes recur, while you walk through the hall, as if the merry–go–round would move around the viewer, while she tries to stabilize her position in the exhibition space. There appears the impression that one has seen this colour, outline, shape, structure before. Imagine the sense of dèjá vu triggered by a familiar motif.
Steckholzer’s conceptual paintings transfer what is momentarily internationally displayed in form and content into fractured painterly gestures and surfaces. To look at her paintings means on the one hand to look at what is currently fetched from archives and studios to be shown at museums, galleries and fairs. On the other, it means that one is exposed to her subjective perception, which adapts the documented motives in an often brute exploration of painterly gesture.
So, although a dèjá vu effect might creep up in the viewer, there equally discloses an unmistakable void in the encounter with her paintings. No matter how fully painted a surface appears, or how fully painted it is discover after zooming into its detailed structure: there is some frictional resistance in Steckholzer’s way of painting, deriving from a dual approach. While her painting is on the one hand carefully planned it on the other suggests to have been left behind half open. This friction recurs not only in the single image space, but also in the serial. A seesaw opens up in a territory for perception that could verbally be expressed by one of the image titles: I know that you know that I know. While an acknowledgment of acknowledgment takes place between the two participants, it remains unclear what is actually known by the speaker.
Steckholzer argues herself that her paintings are not windows, functioning as facilitators, to look at something. As she approaches her motifs in a both documental and fictional mode of memorising, she renders them in perspective and detailed view almost unrecognisable. Consequently representation fails (as if it was meant to make smoothly legible the one represented).
This is primarily, because she is not so much interested to represent the motifs appropriated in a new setting, but to use them and the display situation, in which the encounter with the object originally took place, as an informing impact to explore a new potentiality of conceptual painting.